Well, I suppose it was just a matter of time before Machaut’s Messe de Notre Dame was given the Graindelavoix treatment. As chance would have it, I had just been re-acquainting myself with two of the leading performances on CD, by Marcel Pérès and his Ensemble Organum (HMG501590) and The Taverner Consort directed by Andrew Parrot (CDC 7479492), when the present recording arrived. Always guaranteed to stimulate thought, Björn Schmelzer’s readings of early choral music are never less than controversial, and this recording is no exception. In a densely philosophical programme note, he pays passing homage to Pérès, and indeed the whole approach is very reminiscent of Ensemble Organum’s 1996 account. As in their model, encrustations of ornamentation and free glissandi mean that the music is only occasionally allowed to settle on the perfect fifths that make it so distinctive, but the Graindelavoix reading also feels free to add pedal bass octaves at key cadences, and the full choir sections almost threaten to degenerate into a mob anarchy. Due to a closer acoustic, the ‘solo’ episodes sound less chaotic, but still seem to me to exemplify a triumph of individualism over group thinking, surely precisely the sort of inappropriately modern mind-set Schmelzer’s note is at pains to condemn. Schmelzer’s reading of the mass is on a temporally epic scale, and in my opinion much of the rhythmical energy is dissipated as a result – the Kyrie for example is a full minute longer than Pérès already unhurried account, and more than five minutes longer than Parrot’s rhythmically tight version! When I reveal that my listening prior to hearing the Graindelavoix recording had led me to the conclusion that Pérès had ‘gone a bit far’ in elaborating upon Machaut’s polyphony, you will realize from my comments that Schmelzer goes much further, and that I am reluctantly less than convinced by this approach. I would have liked the programme note specifically to explain why Schmelzer believes that Machaut’s singers would have sung his music like this, or whether in light of the programme note this is even his main priority. The motets and chant which sketch in a liturgical context, although not as completely and consistently as Parrot’s 1984 account, are generally more plausible than the ordinary of the mass, and items like the opening account of Inviolata genetrix and the later Beata viscera are radical but intriguing. I wanted to like this recording much more than I did, but I feel it would be unfair to gloss over its ultimately very idiosyncratic and self-indulgent approach to this iconic music. Much of the account of the Mass is quite unpleasant to listen to, not because of the shock of Schmelzer’s iconoclastic approach but because the voices slide around randomly and aren’t always in tune when they settle; they rarely blend; and ultimately for me the recording seems to have priorities other than the pursuit of historical authenticity – indeed it seems at times to have the tiresomely adolescent aim of ‘seeing what it can get away with’. On a purely practical level, I find it very hard to believe that Machaut’s employers, who we know surrounded themselves with the ultimate in precise sophistication and refinement such as Machaut’s own Louange des Dames and Livre de Voir Dit, would have tolerated for one moment this sort of musically permissive approach in their church music. If, like me, you are generally instinctively drawn to Graindelavoix’s performances, you should probably give this recording a try, but I can’t help feeling that it adds little to Pérès’ account, which is as near the knuckle as I personally would care to go. However, for a ‘purer’, and in my opinion much more honest and convincing account of Machaut’s polyphony and a substantial liturgical framework, I would thoroughly recommend Parrot’s clinically precise but barn-storming 1984 recording, one of his very finest performances on CD. James Ross (Early Music Review, Apr 2016)
De Messe de Nostre Dame is een monument uit de 14de eeuw. Het is een van de eerste volledige missen die we kennen gecomponeerd door één componist: Guillaume de Machaut. Hij was tegelijk dichter, diplomaat, kannunik en componist. Hij creëerde een unieke structuur met verwijzingen tussen de misdelen en een sterke muzikale eenheid, met een ongehoorde textuur en vocale mogelijkheden, majestueus verkend door Björn Schmelzer en graindelavoix. Al 17 jaar is ensemble Graindelavoix de luis in de pels van de ‘authentieke’ uitvoeringspraktijk. Sinds de jaren zeventig is deze praktijk gericht op het uitvoeren van muziek ‘zoals zij ooit geklonken heeft’. Een onhaalbaar ideaal: muzikale bronnen zijn in de middeleeuwen en renaissance verre van ‘compleet’. Er staan geen kruisen en mollen, tekst staat niet netjes onder de noten, versieringen zijn niet aangegeven. De meeste musici leggen zich hierbij neer, en beperken zich tot een min of meer zakelijke uitvoering van wat overblijft, oftewel de muzieknoten. Dirigent Björn Schmelzer doet precies het tegenovergestelde en grijpt de kans om deze noten een compleet nieuw leven te geven. Dat doet hij volkomen intuïtief en subjectief. We horen de Messe de nostre Dame van Machaut hier dus zoals die werkelijk nog nooit te horen was. Graindelavoix zingt extreem laag, met compleet verschillende stemmen en met vele versieringen. Heel fantasierijk en prikkelend, maar het is wel jammer dat Schmelzer weinig informatie geeft over hoe deze keuzes nu precies gemaakt zijn. Zo blijft zijn claim van een terugkeer naar een ‘hybride praktijk’ in het verleden een beetje in de lucht hangen.
(Earlymusic.clubs.nl, May 2016)
EIN AVANTGARDIST SEINER ZEIT
Guillaume de Machaut – Musiker, Dichter und Kleriker - zählte mit seinem künstlerisch anspruchsvollen Œuvre zu den größten Komponisten des 14. Jahrhunderts. Machauts "Messe de Nostre Dame" steht im Mittelpunkt einer bemerkenswerten CD mit dem belgischen Vokalensemble "Graindelavoix", die kürzlich erschienen ist. Er war Kleriker, Diplomat und Literat – und er war der erste Komponist, der mit einem erstaunlich geschlossenen, künstlerisch anspruchsvollen Œuvre in die Geschichte einging. Guillaume de Machaut gilt als Wegbereiter der sogenannten Ars Nova, jener neuen Kunst, mit der man im 14. Jahrhundert innovative Wege beschritt: hin zu einer kunstvollen und zunehmend komplexen Mehrstimmigkeit. Ein berühmtes Beispiel für diesen avantgardistischen Stil des ausgehenden Mittelalters ist Machauts "Messe de Nostre Dame". Sie steht im Mittelpunkt einer bemerkenswerten CD mit dem belgischen Ensemble "Graindelavoix", die kürzlich beim Label Glossa erschienen ist und die wir Ihnen heute vorstellen. Im Studio begrüßt Sie dazu Helga Heyder-Späth. Seit Björn Schmelzer sein Ensemble "Graindelavoix" 1999 gegründet hat, sorgt er mit seinen unkonventionellen Interpretationen immer wieder für Aufsehen. Der Schwerpunkt seiner Arbeit liegt auf der Musik des Spätmittelalters und der Renaissance. Ihre jüngste CD-Produktion widmen Schmelzer und seinen Sängerkollegen jetzt der "Messe de Nostre Dame" von Guillaume de Machaut, also einem Klassiker des 14. Jahrhunderts.
Herausragende Persönlichkeit
Machaut war in mehrfacher Hinsicht eine herausragende Persönlichkeit. Vermutlich in der Nähe von Reims geboren, machte er zunächst als Sekretäre der Herzöge von Luxemburg Karriere. In den 1340er Jahren ließ er sich dann als Kleriker in Reims nieder, stand aber weiter im regen Austausch mit vielen fürstlichen Mäzenen vor allem in Frankreich, denen er etliche seiner literarischen Werke widmete. Unter seinen Kompositionen nimmt die "Messe de Nostre Dame" eine ganz besondere Stellung ein. Sie ist die früheste überlieferte vollständige Vertonung des Mess-Ordinariums aus der Hand eines einzelnen Komponisten. Schon diese Tatsache macht das Werk zu einer musikgeschichtlichen Sensation. Dass man es auch noch relativ gut datieren kann, nämlich auf die Zeit um 1360, hat viele Historikerherzen höherschlagen lassen. Machauts Werke sind hauptsächlich in sechs umfangreichen Büchern überliefert, die alle auf seine eigenhändigen Zusammenstellungen zurückgehen. Auch das hat vor ihm wohl noch kein Komponist mit diesem Anspruch auf Vollständigkeit getan. Offensichtlich ging es Machaut dabei unter anderem darum, seine Werke für die Nachwelt zu erhalten. Das legen die vielen Hinweise nahe, die er nicht nur in seinen musikalischen, sondern auch in seinen literarischen Werken gibt. Daraus spricht ein gesundes – aber für das 14. Jahrhundert durchaus ungewöhnliches – Selbstbewusstsein eines Musikers, der sich seiner Bedeutung für nachfolgende Generationen sicher war. Mit seiner "Messe de Nostre Dame" brachte Machaut diesen Anspruch besonders deutlich zum Ausdruck. Sie wurde höchstwahrscheinlich nach seinem Tod in einer Gedächtnismesse für ihn und seinen Bruder gesungen, die Machaut noch zu Lebzeiten selbst bestellt hatte.
Emotionale" Wirkund der Musik
In seinen Dichtungen spricht Machaut – modern gesprochen – auch über die emotionale "Wirkung" seiner Musik. Eben diese Unmittelbarkeit ist ein wichtiger, wenn nicht der wichtigste Aspekt in der Machaut-Interpretation von "Graindelavoix". Besonders eindringlich zeigt sich das im "Agnus Die". Wie auch einige andere Sätze aus der "Messe de Nostre Dame" beruht das Agnus Dei, das Sie eben gehört haben, auf einem liturgischen Cantus firmus. Er ist geschickt in den dicht gewebten polyphonen Satz eingeflochten. Machaut verwendet hier den Kompositionsstil der sogenannte Isorhythmie, bei der bestimmte rhythmische Strukturen mehrfach wiederkehren, während die Melodieverläufe durchaus variieren können. Es ist ein vergleichsweise komplexer Stil. Ihm stellt Machaut im Gloria und Credo, also in den textreicheren Teilen des Mess-Ordinariums, eine schlichtere, homophone Schreibart gegenüber. In diesen Sätzen steht dann die Deklamation des Textes im Vordergrund, und abgesehen von der kurzen Intonation am Anfang, verzichtet Machaut darin auch weitgehend auf die Verwendung von liturgischen Melodien.Mit der stilistischen Vielfalt, der rhythmischen Raffinesse und den unerhört neuen harmonischen Zusammenklängen erweist sich Guillaume de Machaut als Avantgardist des 14. Jahrhunderts: "Man kann sich vorstellen, dass die Sänger nach der Erfahrung, Machauts Messe zu singen, nicht die gleichen waren wie vorher", so beschreibt Björn Schmelzer im Einführungstext zu seiner Neueinspielung die Wirkung, die Machauts "Messe de Nostre Dame" auf seine Zeitgenossen gehabt haben muss. Und man möchte ergänzen, dass diejenigen, die heute Schmelzers Interpretation hören, auch andere Klangwelten im Kopf haben als zuvor. Da sind zunächst einmal die unkonventionellen Stimmfärbungen von "Graindelavoix". Sie haben nichts mit dem verhalten-ästhetisierenden Stimmansatz zu tun, der bei den meisten renommierten Vokalensembles heute Standard ist, vor allem dann, wenn sie sich dem geistlichen Repertoire der Renaissance widmen. "Graindelavoix" hat da ein anderes, sehr charakteristisches Klangideal. Es entsteht unter anderem dadurch, dass alle Ensemblemitglieder unterschiedliche Erfahrungen und Ausbildungen mitbringen und ganz bewusst auch ihr persönliches, mal raues, mal näselndes Timbre. Hier verschmelzen die Traditionen der nordeuropäischen Gesangskultur mit der volkstümlicheren der Mittelmeerländer, wie sie heute zum Beispiel noch auf Korsika oder Sardinien zu hören ist. Zu Machauts Zeit waren die Grenzen da noch fließend.
Lateinische Texte mit altfranzösischer Färbung
Erstaunlicherweise entsteht bei Graindelavoix trotzdem ein charakteristischer Ensembleklang. Zugegeben – er ist im ersten Moment gewöhnungsbedürftig, auch, weil die Sänger die lateinischen Texte mit altfranzösischer Färbung aussprechen. Aber je mehr man sich einhört, desto mehr Reize kann man der Interpretation abgewinnen. Es ist regelrecht spannend zu verfolgen, wie die einzelnen Sänger ihre Partien mit unmittelbarer Natürlichkeit und individueller Emphase gestalten. Das tut nicht nur in den mehrstimmigen Sätzen seine eindringliche Wirkung, sondern auch in den einstimmigen liturgischen Gesängen, die Schmelzer zwischen die Sätze der Messe einstreut. Die einstimmigen liturgischen Gesänge mit denen Schmelzer Machauts "Messe de Nostre Dame" ergänzt, stammen unter anderem aus einem Missale aus Reims. Das ist vor allem deshalb so schlüssig, weil Machaut ja selbst zwischen 1337 und seinem Tod 1377 Kanonikus an der Kathedrale in Reims war. Wie schon seine früheren Produktionen stellt Schmelzer auch seine Machaut-Aufnahme auf den Boden einer fundierten Quellenkenntnis. Trotzdem scheiden sich wohl auch an dieser CD wieder die Geister. Die offene Stimmfärbung der Sänger von "Graindelavoix", vor allem aber ihr freizügiger Umgang mit improvisierten Verzierungen und Glissandi ist sicher nicht jedermanns Sache. Aber es gibt ja durchaus mittelalterliche Quellen, die beschreiben, dass in den Kirchen laut und vor allem mit großer Inbrunst gesungen wurde. Schmelzers Ansatz ist also eine schlüssige aufführungspraktische Option, die ebenso wenig Anspruch auf historische "Korrektheit" haben kann wie viele konventionellere Ansätze auch. Davon abgesehen ist so etwas wie "historische Authentizität" gar nicht Schmelzers Ziel, wie er in seinem Einführungstext ausdrücklich betont. Sein Ideal ist eine ebenso individuelle wie emotionale Interpretation des 21. Jahrhunderts, die die rund 650 Jahre alte Musik Machauts fremd und gleichzeitig erstaunlich vertraut wirken lässt. Das erreicht Schmelzer mit beeindruckender Suggestivkraft und bietet so eine reizvolle Diskussionsgrundlage dafür, etablierte Aufführungspraktiken der frühen Mehrstimmigkeit neu zu überdenken. Hier ist zum Schluss eine weitere Kostprobe: ein Ausschnitt aus der Marien-Motette "Felix virgo mater". Sie ist eine von zwei Machaut-Motetten, die das Programm abrunden.Mit ihrem nächsten Projekt geht Graindelavoix übrigens eine Wechselbeziehung zwischen Kunst, Architektur und Musik ein. Zu der Ausstellung "Göttliche Interieurs" mit Kirchendarstellungen aus der Rubenszeit, die seit dem Wochenende im Museum Mayer van den Bergh in Antwerpen zu sehen ist, haben die belgischen Musiker die passende Musik beigesteuert. Helga Heyder-Späth (Deutschlandfunk, Sep 2016)
DE TOESTAND IS MIDDELEEUWS, MAAR NIET HOPELOOS. Graindelavoix is een ensemble you love to hate. Sommigen zullen beweren dat het net zoveel met historische uitvoeringspraktijk te maken heeft als Games of thrones met de middeleeuwen. Maar wie luistert naar wat Björn Schmelzer en zijn ploeg te vertellen hebben, kan niet anders dan ademloos luisteren naar hun ruwe talent. Na enkele conceptcd’s zijn ze eindelijk aangekomen bij Messe de Notre Dame van Guillaume de Machaut. Ik hoop binnenkort een uitgebreide recensie te posten over die verbijsterend knappe plaat, maar houd het voorlopig bij deze quote uit het inlegboekje, waarin Schmelzer in rake woorden uitlegt waar het scheef is gelopen met de musicologie. Het is een boodschap waar we in deze tijd van mp3’s, streaming en iPods meer dan ooit aandacht aan moeten schenken. Uiteindelijk is onze tijd, waarin muziek steeds meer en vaker uit de cloud geplukt wordt, een nieuw soort middeleeuwen: een tijd waarin het auteurschap van muziek ondergeschikt geworden is aan de beschikbaarheid en tegenwoordigheid ervan. ‘Paintings and sculptures simply exist before our eyes, while music must first be performed in order to be perceptible to our ears. To avoid this conditional state of performance, musicology ignored the inner force and act of making (early) music – contaminated and fundamentally anachronistic as it is by contemporary realization – and focused on the basic notated version, quickly confusing basis with essence. It is as if an art historian spoke only about the pigments of paint and the preparation of the canvas and not how a Renaissance painting produces effects on its viewer. The painting itself as an act and effect, or in our case, the musical work as a performance and force is banished to the realm of mere subjectivity (…).’ (Klinkendbewogen, April 2016)
Si les précédents disques de Graindelavoix abordaient des répertoires peu fréquentés, c'est à un véritable monument de la musique médiévale qu'est dédié cet enregistrement. De la Messe de Nostre Dame de Machaut, il existe à ce jour des dizaines de versions, certaines excellentes telles celles des ensembles Gilles Binchois (Harmonic Records, 1990) et Diabolus in musica (Alpha, 2008). Fidèle à sa démarche iconoclaste, l'ensemble Graindelavoix se démarque avec force du hiératisme, de la pureté limpide de la plupart de ces enregistrements, et impose d'emblée son esthétique âpre. La liturgie qui encadre les mouvements polyphoniques de l'ordinaire intègre ici des éléments quelque peu hétéroclites (Pérotin, codex Las Huelgas). Comme ceux de l'ordinaire, ces mouvements du propre sont remarquables par le dosage subtil entre l'autonomie, la liberté individuelle des voix, aux timbres hétérogènes, s'accordant sans cesse de petits écarts ornementaux et expressifs, et une rigueur exemplaire de la mise en place. Cette exigence de précision est, de fait, rendue nécessaire par les hoquets et autres jeux rythmiques complexes, omniprésents dans la messe de Machaut. L'un des aspects les plus frappants du style vocal de l'ensemble, enfin, est la grande suavité des mélismes. Ceux-ci glissent parfois insensiblement d'une note à l'autre, en de sortes d'inflexions microtonales. Très séduisants dans les lignes conjointes, auxquelles ils donnent une rare fluidité, ils peuvent cependant se révéler douteux dans les passages plus tortueux, où ils semblent au contraire dégouliner parfois maladroitement Guillaume Bunel (Classica Magazine, Jul 2016)
A refreshing and invigorating view of Machaut's masterpiece, in the tradition of Marcel Peres and Ensemble Organum. In his talk Reconstructing Historical Singing – Reality or Fantasy? (given as part of Kings Place's study day How to be HIP – Historically Informed Performance; Here and Now, Why and How) Richard Wistreich asked two questions, if we reconstructed baroque vocal technique would we like it, and is it worth? This same questions could be asked of medieval performance techniques? If we knew how medieval polyphony was sung, would we like the results? Most modern performers generally simply sidestep the issues. This new disc of Guillaume de Machaut's Messe de Nostre Dame from Bjorn Schmelzer and Graindelavoix on Glossa makes us ask just such questions. Put the first track on and we are presented with a vibrant, highly energised sound world rather a long way from the poised perfection of, say, the Hilliard Ensemble. What is going on? The disc is recorded by the group Graindelavoix, which their record company Glossa describes as 'much less an early music ensemble and much more an art collective experimenting between the fields of performance and creation, comprising singers and instrumentalists led by Björn Schmelzer. Taking its name from an essay by Roland Barthes (“le grain, c’est le corps dans la voix qui chante, dans la main qui écrit, dans le membre qui exécute...”), where Barthes was looking for what constitutes the gritty essence of a voice, Graindelavoix experiments with what one does with the “grain”, the physical and spiritual reflection of the voice. .... What is preoccupying Graindelavoix in early music is the bond between notation and what eludes it: the higher consciousness and savoir-faire that the performer brings to a piece (ornamentation, improvisation, gestures...). Schmelzer works with singers and instrumentalists who embrace diversity, heterogeneity, ornamentation and improvisation in their music-making. In many ways, an ethno-musicological approach to early music.' This is in fact rather more helpful than Schmelzer's essay in the CD booklet. His text is highly learned but rather dense in its language. Phrases like 'Finally, we can return the "Messe de Nostre Dame" into its pre-modern(ist) or post-modern state, making its hybridigy emerge again through diagrammatic, operative performance'. A passing reference to Marcel Peres gives us a clue. Peres recorded Guillaume de Machaut's Messe de Nostre Dame with hisEnsemble Organum in the 1990s. Famously Peres incorporated elements of Middle Eastern, Byzantine and Jewish chant performance, and used singers from Corsican polyphonic folk traditions. Peres' recordings were highly influential but few groups since have explored the territory. We remained wedded to the note based perfection of Western classical performance. The singers here perform with what I might call a strong, throaty sound familiar from polyphonic traditions such as those in Corsica and Georgia, This reflects the academic conviction that the Western classical vocal sound, dependent on depressing the larynx, developed only after the early 19th century. Monks in the Middle Ages would have used a freer, less produced sound. Schmelzer and his group also take Guillaume de Machaut's manuscript as a starting point rather than using it as an absolute. They take the silences on certain subjects as an indicator of some sort of oral tradition. What the performances intend to do is to revitalise the modern tradition of performing Machaut and to look at the music in a new light. We don't know that performances sounded like this, and we don't know that they didn't. A lot of careful research has gone into the disc, the accompanying plainchant propers for a Laydmass come from BM224, a missal from Rheims, and they are elaborated and embellished based on other plainchant sources. Not everyone will like the performance, with the folk-singer-ish vocal quality, the bending of the notes, the rhythmic freedom, the sense of fluid improvisation and the the feeling of the 10 being co-creators of the music. But I found it invigorating, and a refreshing contrast to the purity and perfection of much of the Western Classical tradition. Guillaume de Machaut's Messe de Nostre Dame may not indeed have sounded like this, but the performance really makes us think. Robert Hugill (Planet Hugill.com, Jun 2016)
After their series of recordings oriented on an itinerant thirteenth century organ builder (sic!), recorded in a short span of time but released over a few years, Graindelavoix has produced a new album, this time featuring one of the most prominent individual pieces in the medieval repertory, the Machaut mass. Whereas I very much appreciated the approach they took in that previous series of albums, I found the material itself somewhat prosaic — which, of course, was part of the point, i.e. to illustrate "everyday" music. Here a charge of obscurity or ordinariness certainly cannot be leveled against their material. On the other hand, it's a rather unusual performance, and the notes themselves spend most of their energy arguing over well-worn thoughts on the impossibility of reproducing a medieval performance per se, as well as that such impossibility can & should be taken as an opening for other approaches, and indeed that given Machaut's intent of "commemoration," a perceived "strangeness" to the performance is a way of enacting that commemoration via authentic distance. (The notion of affect is explicitly raised as a consideration often lacking in contemporary historical musical scholarship, yielding readily to historicism. The point on authenticity, then, is that it's the distance itself that is authentic.) I don't have a problem with this argument, and really don't think it needs to be made, but I do understand that some people have extremely narrow views on what is acceptable in medieval performance. Anyway, my complaint, such as it is, is that the actual technical aspects of the performance are barely mentioned, and I'd have been more interested in Schmelzer's thoughts on that. He does mention the Pérès performance as an inspiration, and it has a somewhat similar sound. (The next most similar is probably Clemencic's recording, which did have a run on my "favorites" list, in particular for its rethinking of the declamatory style of the Gloria & Credo.) Whereas Pérès looks to Eastern techniques of ornamentation, Schmelzer mentions "southern European" confraternities that continue to sing in this style. In that sense, he is engaging a contemporary & ongoing flow of commemoration, although perhaps paradoxically by collapsing the distance between the fourteenth century & contemporary (albeit "traditional") style. For Schmelzer, this is about hybridity & fabulation, two other important contemporary theoretical concepts, but there are various sorts of potential hybridities, and fabulation is of course open-ended by nature. (So, in other words, there can be nothing "canonical" about this style, but per the notes, there needn't be.) An immediately obvious aspect of the interpretation is the degree to which the voices sustain tones: I have been getting comfortable with the idea that Ars Antiqua music did not involve as much explicit "sustain" as previous generations of modern performers have used, instead letting cathedral resonances themselves preserve the echo of tones which could in turn be articulated more subtly by the singers. So whereas the tracks I most enjoy are what seem to be almost Ars Antique style approaches to the two Machaut motets — and continuity with that style does seem to emerge rather clearly in the interpretation, with the proportions serving to hold together the parts as they emerge more quickly (relative to the older music), yet retaining a discursive style (vs. yielding to architectonics) — that enjoyment is because and/or despite their rather alien feel. (Such continuity is underlined by the inclusion of one of Perotin's most famous pieces, dutifully accompanied by sustained harmonic tones.) Within this style of explicitly sustaining & emphasizing resonance, maybe even forcing it, vocal ornaments come to emphasize harmonic relations that serve to further articulate the music. I.e. ornamentation starts to feel structural. (It almost sounds like a traditional Bulgarian choir at times, and I also wonder why Schmelzer is using 10 singers for this 4-part music, but he never mentions that. Perhaps all the sustaining is the obvious answer.) Over in my jazz thoughts, I've recently been discussing interrogations of presence, and this album can be approached in just such a way: It has an almost overbearing presence, paralleled by the almost combative liner notes (both figuring "disruption" as respect), that does yet serve to highlight the distance between us & Machaut. So it's rather successful on its own terms, and interesting to hear. I guess my only real disappointment is that I know the Machaut Mass so well that I hear "it" clearly regardless. Listening itself is diagrammatic in that manner, too, and engages with memory to form personal narrative (as I put it elsewhere). The album thus emphasizes the impossibility of hearing the music entirely the same as others do, let alone historically, as well as of hearing it entirely anew. (Well, maybe someone will truly be hearing this music for the first time, but that's not an experience I can access.) Todd McComb (Medieval.org, Jun 2016)
TAKING LIBERTIES : BJÖRN SCHMELZER & MACHAUT’S “MESSE DE NOSTRE DAME”
The La Messe de Nostre Dame by Guillaume de Machaut has been called the most important polyphonic composition of the 14th century. There are at least 35 recordings dating back to 1951, although most of those pre-1980 are hard to find and if found only available on vinyl.
There appears to be general agreement now that the production of the six-movement composition preserved by the manuscripts was not stimulated by mere whim or fancy on the part of Machaut, but was generated either by the incidence of some occasion of specific ceremonial or celebration, or by the appearance of some specific opportunity for ongoing performance.
The notion that Machaut composed his Mass specifically for the coronation ceremonies of Charles V goes back at least as far as a library catalogue of 1769, which does at least qualify the claim: “Messe mise en musique a 4 parties, et que Ton pretend avoir ete chante au sacre de Charles V” [Mass set to music in four parts, which is claimed to have been sung at the coronation of Charles V]. It is a natural assumption to make since the Reims Cathedral had been where French kings had their coronations. But despite the consensus that the mass was written in the early 1360s, there is no firm evidence for the coronation theory.
However, Daniel Leech-Wilkinson (1990) and Anne W. Robertson (1992) have provided strong evidence that the mass was composed for a foundation made by Guillaume and Jean de Machaut for the commemoration of their deaths. [Lawrence Earp, Guillaume de Machaut: A Guide to Research (Routledge Music Bibliographies).]
When musicians thought the mass was written for the coronation of King Charles V the mass was performed with large choirs and brass. Now that we have come to learn that this supposition was incorrect the mass is done in either of three ways:
Performing only the six polyphonic mass sections, back-to-back, and lasting about 30 minutes; Performing the work as a functional mass, i.e. with liturgical chant inserted (or sometimes organ selections), observing all the appropriate repeats, lasting about an hour; Some mix of the two. And no matter which arrangement of the mass is used it has been recorded with or without instruments; OVPP or with some doubling, but the doubling does not exceed three to a part and if not OVPP it is usually no more than two per part and not always for every part.
Björn Schmelzer and Graindelavoix take the mass in an entirely new direction based upon a rather imaginative interpretation of the idea of the endowment/memorial.
In the past I have been thrown off by the initial strangeness of the interpretation. But as I remove preconceptions about the work and just listen, I am struck by the beauty of the sound that is being produced. I would still like to understand more about what Schmelzer is trying to accomplish with this interpretation, however his essay in the booklet accompanying the recording is not much help. He says that he is interested in “conjuring up the voices of the past,” and pointing to the contrast between the familiar and the strange – one that emphasizes the individuality of the singers rather than a homogeneous ensemble sound.
His essay is filled with text such as: “What, for instance, would have happened in historical musicology and the performance of early music if notions like Warburg’s Pathosformel (pathos formula) or Nachleben (afterlife) had been introduced in the early phase of its scientific development? As with art history, even if attempts were made to bury these ambiguous and dynamic concepts in favour of more clearly defined notions such as “symbolic form” and the “euchrony of time”, the concepts would still be present, in a “phantom state”, continuing to haunt the further development of historical musicology. Unfortunately for music and its science, these concepts are now only to be imagined.”
I don’t really have a clear idea of what “euchrony of time” means, my best guess is that Schmelzer is getting at the idea of looking back at a cultural artifact such as Machaut’s Messe and positioning it within our modern age and refracting the music through that lens.
He goes on: “And yet, the two fundamental concepts of Warburg, Nachleben and Pathosformel, might have been enough to save musicology and performance – or at least keep them operating together dynamically. Nachleben traces the fundamental afterlife of repertories, their continuation and mingling, their appearance in places where you would not expect them or in times where you thought them to be extinct. Pathosformel is the organization of affects and animation, how they impact and influence the body, and the conservation and abstraction of these affects within a diagram that regulates the impact of pathos at the moment of execution.”
Schmelzer bases his ideas about afterlife of the work, and everything he reads into this idea, on the conjecture about an endowment either from or on behalf of the Machaut brothers for a regular memorial performance of the mass as the Saturday Lady Mass in Reims cathedral near the altar by the Roelle.
What this amounts to in specifics is:
- Generally slow tempo
- Liberal application of accidentals
- A rather large ensemble, applying exotic ornamentation
All adding up to a performance like no other you may have heard, with the possible exception of Ensemble Organum/Peres from 1996. No amount of creative theorizing should matter when listening to a recording of the work. The performance will land or it won’t, and people will agree or disagree depending upon their taste.
So, I am of two minds concerning the recording of La Messe by Björn Schmelzer and Graindelavoix. On the one hand his reliance on the idea that because Machaut may have left instructions and set aside money for the performance of his mass as a memorial for his brother and himself, and intended or at least imagined the mass being performed long after his death by musicians of later generations whose stylistic tendencies would lead to very different performances of the mass than what he was used to – and was okay with that – rests on a shaky foundation.
However, on the other hand, if we divorce ourselves from the rationale he cites in his essay and simply listen to the music he has made, we are stuck by the sheer beauty of the sound he produces with his group.
Caveat: if you enjoyed the recording by Ensemble Organum led by Marcel Pérès, and the kind of throaty singing and “Eastern” ornamentation his Corsican singers embraced, then there is a good chance you would also enjoy Schmelzer’s recording. David Leone (Musica Kaleidoskopea , Jan 2017)
KLANGKÖRPERMUSIK Musik ist Klang. Das vor allem anderen. Parituren, Instrumente und Technik sind die erforderlichen Hilfsmittel, um den Klang hervorzubringen. So entsteht Musik eigentlich erst im Moment der Aufführung: bei den Interpreten, die sie mit ihren leiblichen oder instrumentalen Köpern hervorbringen und den Zuhörendenden, die sie erleben. Denn der Klang macht den Affekt: verkörperte Gefühle. Björn Schmelzer, der Leiter des belgischen Ensembles Graindelavoix, bezeichnet die Noten der mittelalterlichen Musik, auf die sich seine Truppe spezialisiert hat, als "Diagramme", in denen die potentiellen klanglichen Energien auf eine rationale und rationelle Weise abgespeichert wurden. Sie bilden das Gerüst, die die "innere Konsitenz" dessen, was da erklingen soll, gewährleistet: eine Art "Geometrie für den Affekt". Die notierten Tonhöhen, Rhythmen und Harmonien markieren sozusagen die Koordinaten oder den Raum, in dem der Klang und die damit verbundenen Klangfarben und Ausdruckskräfte sich manifestieren können. Vielleicht kann man dass mit einer gotischen Kathedrale vergleichen, die erst durch die in sie hineingebaute Ausstattung, die Ausmalung und die liturgischen Rituale "vollständig" wird. Die Faszination, die gotische Kathedralen auf den heutigen Betrachter ausüben, beruht zunächst auf der Grandiosität der architektonischen Struktur. In ihrem steinsichtigen Purismus ist sie das Ergebnis meist rücksichtsloser Bereinigungen des 19. Jahrhundert. Dass diese Räume geradezu zugebaut und überladen waren mit Altären und Bildern, dass die Wände mit farbigen Ornamenten bemalt waren und dass in ihnen vielfältige Riten in polyphoner Gleichzeitigkeit vollzogen wurden, ist nicht ohne weiteres erkennbar. Die Ausstattung und die Funktion waren jedoch kein Zusatz, sie ist ein Bestandteil des Baukörpers und wesentlich für seine Wirkung. Mit ihrer Neudeutung der berühmten Messe de Nostre Dame von Guillaume de Machaut (ca. 1300-1370) versuchen Schmelzer und sein diesmal ausschließlich mit Männerstimmen beseztes Ensemble, die 'Zwischen'- oder 'Freiräume' in Machauts notierem "Diagramm" auf eine vergleichbare Weise auszugestalten. Sie knüpfen damit an die zwanzig Jahre alte Einspielung des Ensemble Organum an, das in dieser Hinsicht als Pionier gelten darf und Maßstäbe gesetzt hat. Granidelavoix geht noch einmal einen Schritt weiter: Das Ergebnis ist eine rituelle Beschwörung des Klangs aus dem Geist des Notierten und der mündlich überlieferten Traditionen des Musikmachens, die freilich nicht so einfach greifbar sind, sondern aus der Quellenforschung und einer bis heute fortbestehenden Praxis heraus experimentell erschaffen werden müssen. Schmelzer spricht nicht von 'erfinden', sondern von "fabulieren". Wie schon bei den Vorgängerproduktionen ist das Ergebnis eine Maßanfertigung. Graindelavoix setzt nicht auf die Homogenität perfekt verschmolzener Stimmen, sondern auf den Reiz individueller Stimmfarben und auch mal plärrender obertöniger Mixturen, auf spontane improvisierte Verzierungen und mikrotonale Tonverschleifungen, die an orientalische Gesangstraditionen erinnern. Mit einer oft rauen und kehligen Tongebung wird Machauts Diagramm mit einer mitunter durch Mark und Bein gehenden Inbrunst ekstatisch aufgeladen. Hier tönen, vibrieren und resonieren (Männer)Körper und keine neogotischen Engelwesen, wie man sie sonst meist bei diesem Repertoire hören kann (dass das Ergebnis einer solch reinen Darbietung wunderschön klingt und auf seine Weise ebenso bewegend ist, sei damit nicht bestritten!). Bei Graindelavoix ist alles physischer, haptischer, stofflicher: Der Klang ist das Material, aus dem diese Musik gebaut ist! Das Ganze wirkt dabei ebenso spekulativ wie authentisch, so gegenwärtig wie archaisch - so als ob Giancinto Scelsi, ein Klangkomponist des 20. Jahrhunderts, einmal im gotischen Stil improvisiert hätte. Stärker als bei den Vorgängerproduktionen fällt aber auch die Spannung zwischen dem Notierten und "Fabulierten" (Schmezler) ins Ohr. Machauts "Diagramm" ist perfekt durchgeformt. Jeder Zusatz wirkt sich auf die Gesamtbalance aus, die dann wieder neu austariert werden muss. Die klare Struktur (Architektur) gerät hier und da ins Wanken oder löst sich mitunter im Spiel der Ornamente und Farben ins Ungefähre auf (z. B. bei einigen Passagen des "Kyrie"). Es ist vielleicht kein Zufall, dass die beiden zusätzlich aufgenommenen mehrtextigen polyphonen Motetten Machauts toleranter auf den Ansatz von Graindelavoix reagieren als die Messe: Die Stimmführung in den Motetten ist per se individueller. Ähnlich verhält es sich mit den mehrstimmigen Ausgestaltungen der einstimmigen gregorianischen Teile, die noch einmal besonders beeindrucken, auch wegen der angenehm räumlichen Aufnahmetechnik, die die Stimmen sehr plastisch und vollmundig abbildet. Wer zum Vergleich einmal eine notengtreuere Version der Messe hören möchte, greife zur Version des Clemencic Consort. Hier sorgen eine Fülle weiterer 'volkstümlicher' sakraler Stücke und der Einsatz von diversen Instrumenten für eine eigene Form von 'Authentizität' - das Album wirkt freilich nach der Einspielung von Graindelavoix fast schon wie ein nachgestellter mittelalterlicher Jahrmarkt, bei der die streng gefügte Kunstmusik Machauts wie ein erratischer Fremdkörper aus dem bunten frommen Treiben herausragt ... doch wer weiß, wer weiß ...! Georg Henkel (Musik an sich, Apr 2016)
Graindelavoix is een ensemble you love to hate. Sommigen zullen beweren dat het net zoveel met historische uitvoeringspraktijk te maken heeft als Game of thrones met de middeleeuwen. Maar wie luistert naar wat ze te vertellen hebben, kan niet anders dan ademloos hun ruwe talent aanhoren. na enkele concept-cd's zijn ze aangekomen bij Messe de Nostre Dame van de Machaut. Tenoren die loeien vanaf te toppen van hun longen en bodemloos boerende bassen laten je dit meesterwerk helemaal opnieuw ontdekken. Je zou kunnen denken dat de nasale klinkers en greinende vocalen afbreuk doen aan de spirituele dimensie van deze muziek, maar het tegendeel is waar. Door de samenzang terug te brengen tot de kale essentie, trekt Graindelavoix je als een magneet naar de emoties die Machauts polyphonie in zich heeft. Onmisbare plaat. Tom Janssens (De Standaard, Apr 2016)
Da sitzt man selbst als Kenner der Materie etwas angespannt vor der Partitur und versucht herauszufinden, mit welchen interpretatorischen Details die Sänger von Graindelavoix Machauts berühmte Messe genau zu dem machen, was da aus den Lautsprechern dringt: Sanfte Verdoppelung von Unterstimmen in die 16‘-Lage, zeitweiliges Weglassen des Triplums, Einbringen von Diminutionen und Auszierungen unterschiedlichster Art markieren nur die „zahmen“ Abweichungen vom Notentext. Was aber soll der ergraute Musiker und Musikwissenschaftler zu diesem eigenwilligen Aufführungsansatz sagen, der ihn außerdem mit seinen extensiv zur Anwendung gebrachten Portamenti und Glissandi in ein Zerrspiegel-Kabinett zu versetzen scheint und dabei so klingt, wie Dalís zerfließende Uhren aussehen? Fällt hier eine Horde Langhaariger respektlos über ein ehrwürdiges Monument der europäischen Musikgeschichte her? Oder inszenieren die Sänger Reality-TV-artig eine Auseinandersetzung zwischen der zeitlos schönen Reinheit pythagoreischer Quinten und Oktaven einerseits und dem Skandalon einer seinerzeit unerhört affektiven musikalischen Gestik, die in Machauts Hoquetus-Passagen und sonstigen Bewegtheiten des Oberstimmengeschehens zu liegen scheint? Man sieht, auch mit einer Machaut-Messe kann man den Hörer noch provozieren, wenn man den richtigen Nerv trifft. Das interpretationsästhetische Postulat, das hinter dieser eigenwilligen Version des Stückes steht, muss man sich allerdings ein wenig mühsam aus dem durchaus interessanten, aber auch ein wenig verschwurbelten Beihefttext herausdestillieren: Gesagt werden soll wohl, es müsse endlich eingesehen werden, dass man jenen Teil der alten und ältesten Musik, der nicht im überlieferten Notat festgehalten werden konnte, gerade nicht mit erbsenzählerischer wissenschaftlicher Spurensucherei auffinden und für die Darbietung nutzbar machen kann. Die Aspekte, die eine Aufführung solcher Musik erst zum Leben erwecken, sind eben gerade nicht dem „diagrammatischen“ Notentext zu entnehmen, sondern erfordern vielmehr die Kenntnis eines „parallelen, impliziten Systems von rhetorischen und operativen Werkzeugen“, das Machauts zeitgenössischen Interpreten selbstverständlich vertraut war, uns heute aber mangels Quellen fremd sein muss. Soweit, so gut – und im Kern auch nicht wirklich neu: Dass der „Musica-ficta“-Anteil des Interpretierens auf Konventionen und mündlichen Absprachen beruht, wissen wir schon lange. Aber auch die Interpreten dieser CD berufen sich etwa beim Bearbeiten der hier ebenfalls präsentierten gregorianischen Gesänge, die ihnen der Regensburger Choralforscher (!) David Hiley verfügbar gemacht hat, auf „plainchant sources“, mit deren Hilfe sie die im Original simplen Melodien „elaborated and embellished“ haben. Also doch wieder Quellenforschung? Umgekehrt ist es ja auch nicht so, dass historisierende Aufführungspraxis bisher eine staubtrockene Angelegenheit war: Eine Händel-Opernarie aus der Kehle Jarrouskys oder selbst der Schlusssatz des h-Moll-Messen-Glorias in Parrotts exemplarisch minimalistischer Einspielung von 1984 kommen ungeheuer sexy daher, weil die Interpreten auch im historisierend korrekten Umfeld mit Emphase zu Werk gingen. Aber muss man dafür Heulen, Grölen, Vokale und Intervalle verzerren …? Der Autor betrachtet diese Einspielung nicht so negativ, wie es scheinen mag: Sie ist ein provokantes Angebot, vertraute Hörgewohnheiten (sofern man mit dieser Musik schon welche hat) zu hinterfragen; aber die Interpreten legen im gelehrten Beihefttext dem provozierten Hörer zu wenig Rechenschaft darüber ab, wie sie im Einzelnen zu diesen extremen interpretatorischen Maßnahmen gekommen sind. Michael Wersin (Rondo Magazine, June 2016)
S’accoutumera-t-on à la radicalité sonare de Graindelavoix et à son usage décomplexé des techniques vocales traditionnelles de l’Europe du Sud ? Une chose est sûre, le groupe anversois creuse son sillon et chaque nouvelle parution nous éloigne un peu plus de la stupeur qui avait saisi nombre d'amateurs de polyphonie a cappella face à l'irruption de cet univers sonore iconoclaste en 2006. Pour son (déjà) onzième disque, Björn Schmelzer lance sa troupe à l’assaut d’un « monstre sacré » de la polyphonie médiévale, comme il appelle la Messe de Machaut. La discographie compte déjà plus d'une trentaine de versions (cf no 590, notre Point sur .. ) mais qui connaît ces chanteurs saura d'avance que la leur ne ressemble à aucune autre. Certes, quelques options d'interprétation ont déjà été entendues: le programme bâti autour d'une trame liturgique fait alterner les six sections de l'ordinaire de Machaut avec des extraits d'un propre à la Vierge en plain‑chant, en glissant au passage deux des trois derniers motets du maître, contemporains de la Messe, ou un conduit de Pérotin; quant à la transposition à la quarte inférieure, pour voix d'hommes exclusivement en registre de poitrine (dix ténors, barytons et basses, sans falsettistes ou contre‑ténors), elle avait contribué aux réussites du Taverner Consort (1984) et de Diabolus in Musica (2008). En outre, un devancier direct de Schmelzer (qui lui rend hommage) a déjà gravé cette oeuvre avec des chanteurs traditionnels, en 1996. Mais autant cette tentative de Marcel Pérès avec des polyphonistes corses demeurait inaboutie (tempos précipités et mise en place instable), autant Graindelavoix est désormais une machine impeccablement huilée. Dans des tempos lents, leur émission vocale à gorges déployées, leurs timbres très individualisés (avec un ténor aux jolis accents de Claude François), leur accumulation d'ornements (appoggiatures, trilles, tremblements, ports de voix, glissandos, voire sirènes), leurs doublures caverneuses dans l'extrême grave (qui leur permet de produire d'impressionnantes phrases de plain‑chant doublées sur trois octaves), s'agencent en un discours parfaitement maîtrisé, qui préserve la justesse des intonations et déploie des phrasés inouïs. Certains pourront juger que le « monstre sacré » est défiguré, d'autres qu'il est transfiguré. Mais qu'il repousse ou attire, le son spectaculaire, unique et cohérent inventé par Schmelzer donne à découvrir encore de nouvelles facettes d'une oeuvre fascinante. Difficile de demander plus. David Fialla (Diapason, June 2016)
5 Diapason
A new recording of Machaut’s Mass is always an event, and this one is compelling and provocative in equal measure: compelling, because of the beauty of the voices and the evident care that has been lavished on so many details; provocative, because so many of those details will surprise, startle and perhaps infuriate. Inevitably, these details include the choices of interpretative accidentals (musica ficta, to use the convenient shorthand), since very few recordings agree on these. Then there’s the choice of sonority, very much the house style of Björn Schmelzer’s ensemble, and modelled on Ensemble Organum. It’s sometimes informally referred to as ‘Corsican goatherds’, and although it has its detractors, it has seldom if ever been deployed in polyphony as convincingly as here. Along with a distinctively nasal vocal production, this involves a luxuriant, microtonal approach to ornamentation, most often associated with non-Western chant and folk traditions. To all this Graindelavoix add a deliberately flexible approach to rhythm, which successfully distinguishes between the two main compositional styles deployed by Machaut. It’s very skilfully done: the rapid exchanges between voices (known as hocket) sound very fluid and yet perfectly controlled. Even the doubling of voices at the octave (a staple of Paul Van Nevel’s work with the Huelgas Ensemble) suggests the timbral mixture of organ registers rather than the gratuitous distortion of the music’s syntax. All this comes together in the held chords that punctuate the Gloria and Credo: Graindelavoix make them come to life from within, and I doubt whether anyone who hears them like this will think of them in quite the same way again. To be clear: little of this is new, and Schmelzer’s suggestions to the contrary account for at least some of his critics’ resistance; that, and his tendency to pitch his arguments from a conceptual highground that is notably short on details, thus antagonising ‘specialists’ but also (more importantly, and as I suspect) frustrating the well-intentioned layman. Graindelavoix would be unthinkable without the pioneering work of Marcel Pérès (as Schmelzer concedes); but whereas Ensemble Organum’s recording of this Mass was something of an ugly duckling, I’ve seldom heard a recording of polyphony that synthesises these elements so persuasively. It’s the sort of performance that ought to get anyone excited about early music. The rest of the disc (including the two motets thrown in for good measure) is equally arresting. For now at least, this sceptic’s been won over. Fabrice Fitch (Gramophone, June 2016) Editor's choice.
GRAINDELAVOIX LAAT OUDE MUZIEK GLOEIEN EN FLAKKEREN. De Mis van Machaut is zonder enig voorbehoud het muzikale topstuk van de 14de eeuw. Een vierstemmig monument met zes delen in een polyfone stijl, die voor onze, in de loop van zes eeuwen wat verpapte oren in eerste instantie ruig aandoet, maar vol zit met subtiliteiten. Dit werk is nu aangepakt door Graindelavoix, het Vlaamse zangersverbond dat de plausibele mening huldigt dat die oude muziek lang niet zo engelachtig en strak heeft geklonken als de meeste uitvoeringen ons willen doen geloven. Graindelavoix haalt daarbij inspiratie uit onder meer de volkspolyfonie zoals die in uithoeken van Europa nog wordt beoefend.Dat belooft wat, en het levert ook wat op. Door de welhaast solistische benadering, waarbij vooral de hoge stemmen tal van omspelingen en soms muezzinachtige wapperingen toevoegen, wordt Machauts werk ontdaan van zijn vermeende monolithische karakter en gaat de klank van binnenuit gloeien en flakkeren.Spannend is het zeker, maar de glijvluchten waarmee de zangers op de 'juiste' toon belanden, zijn soms wat veel van het goede. Als aanvulling dienen een paar eveneens fraaie motetten van Machaut en gregoriaanse gezangen waarin Graindelavoix niet alleen een subbas, maar ook nog een superoctaaf toevoegt. Wham.
Frits van der Waa (De Volkskrant, May 2016)
Er war Kleriker, Diplomat und Literat — und der erste Komponist, der mit einem erstaunlich geschlossenen, künstlerisch an- spruchsvollen Oeuvre in die Geschichte einging. Guillaume de Machaut gilt als Weg- bereiter der Ars nova, jener ‘neuen Kunst’, die im 14. Jahrhundert innovative Wege beschritt, hin zu einer zunehmend komplexen Mehrstimmigkeit. Als früheste überlieferte vollstandige Vertonung des Mess-Ordina- riums aus der Hand eines namentlich bekannten Komponisten ist Machauts ‘Messe de Nostre Dame’ so etwas wie ein Klassiker dieses avantgardistischen Stils und eine musikgeschichtliche Sensation. Als Aulführungsanlass kommt eine Gedachtnismesse für Machaut und seinen Bruder in Betracht, die der Komponist noch selbst bestellt hatte. Demnach ware Machaut ein für das 14. Jahrhundert un- gewöhnlich selbstbewusster Musiker, dem sogar seine Bedeutung für die Nachwelt klar war. Mit der stilistischen Vielfalt, der rhythmischen Raffmesse und den unerhört neuen harmonischen Zusammenklangen ist Machaut tatsachlich Avantgardist: »Man kann sich vorstellen, dass die Sanger nach der Erfahrung, Machauts Messe zu singen, nicht die gleichen waren wie vorher«, schreibt Björn Schmelzer im Einführungstext zu seiner Neueinspielung über die Wirkung, die das Werk auf Zeitgenossen gehabt haben muss — und, möchte man erganzen, dass auch diejenigen, die heute Schmelzers Interpretationen horen, anschlieBend andere Klangwelten im Kopf haben werden als zuvor. Denn die Ensemblemitglieder von Graindelavoix, die zum Teil aus der Volksmusik kommen, bringen sehr unterschiedliche Erfahrungen und Ausbildungen mit, dazu ganz bewusst auch ihr persönliches, mal raues, mal näselndes Timbre. Erstaunlicherweise entsteht dann bei aller Individualist doch ein wirklicher Ensembleklang. Zugegeben, er ist ziem- lich gewöhnungsbedürftig. Aber je mehr man sich einhört, desto mehr Reize kann man der Interpretation abgewinnen. Es ist spannend zu verfolgen, wie die einzelnen Sanger ihre Partien mit unmittelbarer Natürlichkeit und individueller Emphase gestalten, wenn auch gelegentlich auf Kosten der rhythmischen Prazision. In seinen Dichtungen spricht Machaut — modern ausgedrückt — auch über die emotionale Wirkung seiner Musik, und eben diese Unmittelbarkeit ist ein wichtiger, wenn nicht der wichtigste Aspekt in dieser Interpretation. Damit bestechen Schmelzer und seine Sanger nicht nur in den mehr- stimmigen Satzen, sondern auch in den einstimmigen liturgischen Gesangen, die zwischen die Messteile eingestreut sind; sie stammen unter anderem aus einem Missale der Kathedrale von Reims, an der Machaut von 1337 bis zu seinem Tod vierzig Jahre lang Kanonikus war. An dieser Produktion Schmelzers dürften sich (einmal mehr) die Geister scheiden. Die Stimmfarbung der Sanger und ihr frei- zügiger Umgang mit improvisierten Ver- zierungen und Glissandi sind sicher nicht jedermanns Sache, aber doch eine schlüs- sige, auch durch Quellen zu belegende aufführungspraktische Option, die ebenso viel Anspruch auf historische ‘Korrektheit’ erheben kann wie jede konventionellere, eher asthetisierende Interpretation unserer Zeit. Schmelzer setzt sein Konzept jeden- falls mit beeindruckender Suggestivkraft um und bietet reizvollen Diskussionsstoff, etablierte Aufführungspraktiken der friihen Mehrstimmigkeit neu zu überdenken. Die rund 650 Jahre alte Musik Machauts wirkt in dieser Lesart fremd und gleich- zeitig erstaunlich vertraut, nicht nur in der beriihmten Messe, sondern auch in den beiden weniger bekannten Motetten, die das Programm bereichern. Helga Heyder-Späth (Concerto Magazine, Sep 2016)
Surprenante découverte que cette interprétation de la Messe de Nostre Dame de Guillaume de Machaut (ca 1300-1370) par Björn Schmelzer et l’ensemble Graindelavoix. A l’écoute, la version proposée par le chef se distancie très nettement de celle de ses prédécesseurs. Björn Schmelzer a étudié en profondeur les traditions vocales du Moyen-Age et leur évolution dans le temps. Il a beaucoup voyagé, notamment dans les pays méditerranéens (Sardaigne, Sicile, Espagne, Portugal et Maroc) et fait de nombreuses recherches. Ces diverses influences se ressentent dans l’enregistrement où l’on se retrouve parfois aux confins de musiques sardes ou arabo-andalouses. La vision de Björn Schmelzer ne se limite pas à la lecture et à l’interprétation d’une œuvre du Moyen-Age, elle se veut bien plus large, ouverte sur l’histoire, l’anthropologie, la géographie humaine et l’ethnomusicologie. On aime ou on déteste, mais c’est un album à découvrir! Suzanne Kaufmann (Bibliothèque Cantonale et Universitaire Lausanne, Sep 2016)
Bien évidemment, il est impossible de savoir comment, au Moyen Âge, se chantaient les œuvres de Machaut. Quel genre de voix, quel niveau d’apprentissage vocal… et encore, d’un lieu à l’autre, d’un moment à l’autre, quelle exécution représenterait-elle « la vérité » ? C’est tout bonnement qu’il n’y en a pas, il convient donc de faire comme on le pense juste. Il existe des interprétations de Machaut très propres, vocalement impeccables, fidèles note à note aux partitions manuscrites d’époque qui nous sont parvenues – même si certaines tournures restent assez vagues et sans doute sujettes à improvisation ou ornementation – mais combien reflètent-elles la vocalité d’alors ? L’ensemble belge Graindelavoix a pris le parti de restituer Machaut sous une forme d’apparence archaïque, puisant dans les traditions vocales populaires et folkloriques encore bien vivantes de nos jours : la puissance évocatrice de cette musique y gagne immédiatement une intensité, et ce d’autant plus que les voix s’approchent souvent de l’émission sonore d’instruments et d’orgues du Moyen-Âge, avec leur grain de bois brut et de métal droit, comme sorti des mains du forgeron. Le latin est prononcé non pas selon la mode ecclésiastique à l’italienne, mais largement en vertu de ce que l’on sait du latin médiéval. Mise en garde : il se peut fort bien que jamais plus vous ne voudrez entendre Machaut autrement… SM (Qubuz.com, May 2016)
Dit is in veel opzichten een heerlijke cd, en de enige reserve die ik heb is er eentje die ik altijd heb bij het Belgische collectief Graindelavoix en zijn leider Björn Schmelzer: zit ik naar muziek van Guillaume de Machaut (1300-1377) te luisteren, of naar muziek van Björn Schmelzer (1975-)? Anders geformuleerd: wat is de verhouding tussen de objectiviteit en subjectiviteit in een partituur die (wellicht) niet genoeg informatie bevat om de 14de-eeuwse usance te reconstrueren? Doet de mainstream-middeleeuwse-muziekpraktijk er alles aan om de 14de-eeuw zo objectief mogelijk te laten klinken, dan onderbouwt Schmelzer in zijn uitstekende programmatekst de stelling dat de notatie van middeleeuwse muziek nooit bedoeld is om één objectieve oerversie te (re)construeren. Een 14de-eeuwse partituur is een diagrammatisch schema, een skelet waarop de uitvoerder "vlees" moet boetseren. Je vindt een heel arsenaal aan concrete voorbeelden in 13de- en 14de-eeuwse teksten. In een dergelijke diagrammatische logica is een uitvoering authentieker naarmate ze subjectiever is, en de historische sporen (d.w.z de partituur) Dat maakt mijn openingsdilemma - De Machaut of Schmelzer? - natuurlijk irrelevant. Schmelzer koos voor ruwe diamanten als zangers. Hij houdt de stemkenmerken die een conservatoriumopleiding meestal uitvlakt nadrukkelijk in beeld. De naam van zijn ensemble is niet voor niets een verheerlijking van de "korrel op de stem". De ornamentatie waartoe de zangers toe aangemoedigd, brengt de tekst paradoxaal genoeg uitstekend in beeld: er ontstaat een beheersing en betrokkenheid die de klassieke mainstream zich alleen bij het getoonzette theater uit de hele vroege barok permitteert. Deze cd klinkt organisch eerder dan panoramisch, en er is een uitzonderlijk rijke sonische dimensionaliteit op te horen. Schmelzers aanpak behaalt de beste resulaten in de twee toegevoegde motetten, een adembenemend climax-circus. In de Messe is de uitwerking soms misschien te lokaal gedacht om Machaut's vijfdelige dramaturgie goed in beeld te krijgen. En heel soms is in rijkelijk uitgewerkte éénstemmige gezangen zoals Alleluya post partem virgo meer extase te horen dan de onderliggende tekst (die de belangrijkste leidraad zou moeten zijn voor de diagrammatica) rechtvaardigt. Het is mij na al die jaren nog altijd niet duidelijk wat Schmelzer nu precies is: zoekend musicus, conceptueel kunstenaar, of glorieuze mind fucker. Je voelt je in zijn klankuniversum vaak Alice in Wonderland, maar het is daar wel heerlijk toeven. Stefan Grondelaers (Staalkaart, Jun 2016)
Alejado del paradigma musical limpísimo, descarnado, de la llamada escuela “Oxbridge” (Oxford y Cambridge), vuelve Graindelavoix a uno de los grandes monumentos de la música medieval, la Missa de Nostre-Dame de Guillaume de Machaut. Gran año este de 2016 para el cantor de Reims, puesto que coincide este registro con el primer volumen de Guillaume de Machaut. The Complete Poetry and Music, editado por R. Barton Palmer. Graindelavoix no tiene solo un registro, ni suenan igual hagan lo que hagan, y ahí están los discos que abordan un repertorio más flamenco y profano. No sorprenden tanto como al principio, pero siguen con una línea de investigación e interpretación que suponen un huracán de aire fresco al mundillo de la música medieval.
Me gusta lo que hace Graindelavoix. A partir de aquí, entiendo que la legión de detractores de este conjunto deje de leer. En este disco, como hicieran en su debut de 2004, aquella sorprendente versión de la Missa Caput de Ockeghem, retoman furiosos arrastres, el canto de garganta, la textura pastosa y emisiones vocales, en algunos casos, casi salvajes. Se trata de transmitir emoción, y a eso se afanan los diez cantores que forman, en este caso, la formación (doce eran los capellanes de la catedral de Reims, donde Machaut fue canónigo), ayudados por una toma de sonido excelente. Sin dificultad, se puede hacer un seguimiento a cada una de las voces. Si alguien tenía dudas sobre si seguirían fieles a sus desabridos principios, se despejan en la Intonatio del Salve sancta parens, una de las piezas que preceden a la Missa en la grabación, o en el monumental Kyrie, que se va a once minutos (frente a los 7-8 del resto de versiones) y agota escucharlo, tal es su proteico desarrollo. Es decir, no engañan a nadie, y siguen surcando ese predio del canto medieval con la reja de arado del análisis de su director, Björn Schmelzer.
Muchos han sido los grupos que se han atrevido a grabar la primera misa polifónica conservada. Destacamos la del Taverner Consort & Taverner Choir de Andrew Parrott, referencial, y más por su fecha, 1983. El Ensemble Gilles Binchois en 1990 cantó a una voz por parte en las polifónicas, todas voces masculinas. Diabolus in Musica (2007), dos voces masculinas por parte, hicieron una versión mucho más circunspecta, estática en ocasiones. Musica Nova (2010), especialistas machautianos, incluyó disminuciones de órgano a partir de diversas fuentes contemporáneas, y era la última versión completa. Pero con la que entronca Graindelavoix es con la heterodoxa lectura que en 1995 incrustó el Ensemble Organum en la discografía. Si Marcel Pérès sacudió entonces el cotarro (y continúa), Schmelzer lo hace ahora. Este acentúa los contrastes, barroquiza los melismas, acera la emisión de las voces extremas, llevadas al paroxismo en las cláusulas finales (“Amen” del Gloria), con cierto caos textural, claro, marca de la casa. Ambas interpretaciones suenan exóticas, suenan a un “otro” musical, y paradójicamente, ambas arrancan de una tradición oral bien cercana, totalmente occidental, tan “nuestra” que se nos olvidó que nos pertenecía. Algo así como redescubrir los edificios medievales revocados después de que Hollywood nos convenciera de que eran todo sillares vistos.
Las seis páginas de notas de los discos son como la música: profusas, trabajadas, densas, complicadas. Apasionantes, también. Se estructuran en tres partes. La primera reivindica la figura del musicólogo Karl Geiringer, que recoge la herencia del historiador del arte Aby Warburg. En la segunda se interpela a la musicología tradicional, que apenas investiga lo que en la “partitura” falta (práctica oral), y sigue centrándose en lo que reproduce. Finalmente, la parte final, de modo más desarrollado, justifica la versión de la gran misa machautiana en clave de la búsqueda de trascendencia (Nachleben), tanto la del propio artista (Machaut) como las de las almas del purgatorio. Gilles Deleuze y Bruno Latour entran en escena, así como el reconocimiento explícito a la labor de Marcel Pérès. Las deudas son reconocidas, asumidas y reivindicadas. Orgullo de escuela. Unos 63 minutos dura lo que es propiamente la Messe de Nostre-Dame. Una hora que exige a los cantores y a quienes escuchan. Josemi Lorenzo Arribas (Scherzo, Jan 2017) Disco Excepcional.
